La banda sonora de Outer Wilds — cuando la música se vuelve herramienta para resolver

Introducción — esto no es música para «dejar puesta»

Lo diré de entrada: si escuchas la música de Outer Wilds como «una banda sonora de buenos temas», solo captas la mitad. En el juego de exploración espacial que reseñó Komugi, la música que escribió Andrew Prahlow, la mayor parte del tiempo, no está sonando en absoluto. Mientras flotas y miras los planetas, lo que te llega al oído es sobre todo viento y el zumbido de la maquinaria.

Eso no es pereza, es diseño. En entrevistas Prahlow explica que una música en bucle constante en un juego de exploración convierte la partitura en «papel pintado» y le vacía el sentido, así que hizo que la música siguiera el sentido de exploración del jugador. El momento en que una entrada musical se alza es, por tanto, una señal: «acaba de ocurrir algo». Para cualquiera que escriba música o construya juegos, creo que esa sola decisión ya vale la pena llevársela a casa.

Diseñar el silencio — al pensamiento, silencio; al descubrimiento, sonido

La mayor parte del tiempo que pasas resolviendo un puzle o explorando un juego así es tiempo silencioso, amasando hipótesis en la cabeza. La música de Outer Wilds rehúsa deliberadamente acompañar ese tiempo de pensamiento. En su lugar, se desliza una breve entrada musical cuando llegas a un sitio nuevo o reparas en algo que estaba oculto. El tempo se sitúa por debajo del ritmo de un paseo, quizá a unos 90 BPM, a temperatura corporal.

En términos de compositor: no intentes hinchar el tramo de «mientras piensas». Si pones un drone de tensión constante, la música apremia el pensamiento del jugador y el «ya lo tengo» de resolver queda ahogado. Prahlow hizo lo contrario: asignó el silencio al pensamiento y colocó el sonido solo en el momento del descubrimiento, como recompensa. El silencio no es espacio vacío; es la preparación que hace que la siguiente nota acierte.

Asignar a cada lugar su propio tema también ayuda. El banjo sencillo de Timber Hearth, la canción angustiosa y resonante de Dark Bramble. Oyes el timbre y sabes dónde estás. La música asume parte del trabajo de un minimapa.

Cuando el sonido se vuelve herramienta — el Signalscope y los solos dispersos

Aquí está la parte única de este juego, y la más interesante. Tus compañeros astronautas están dispersos por todo el sistema solar, cada uno tocando un fragmento de la misma melodía como un solo en un único instrumento. Usando un receptor llamado Signalscope, los rastreas siguiendo su «señal de audio». La música es algo que disfrutar de oído y, al mismo tiempo, la propia herramienta de exploración.

Los fragmentos suenan por separado, pero apunta el Signalscope en el momento adecuado —cuando los planetas se alinean— y todos los instrumentos se apilan en un único conjunto (incluso hay un logro, «Harmonic Convergence»). El sonido es información, dirección y recompensa a la vez. Este juego disuelve a propósito las fronteras entre banda sonora, efecto de sonido e interfaz.

La lección para los creadores de juegos está justo aquí. Diseña la música desde el principio como una capa que «porta información», no como una capa que «añades después», y los jugadores empezarán a resolver el juego con los oídos. Silencia Outer Wilds y se vuelve más difícil de resolver, porque la música no es solo fuerte como contenido, está tejida en el sistema.

El tempo de resolver y la estructura de la música — el acorde final sonaba desde el principio

Outer Wilds es un puzle donde nunca ganas herramientas, solo conocimiento. El sol explota cada 22 minutos y el mundo se reinicia a la hoguera matutina. Lo único que arrastras de una vuelta a otra es lo que has comprendido, y vuelves a jugar los mismos 22 minutos añadiendo cada vez notas de entendimiento.

La estructura de la música se corresponde con esto con exactitud. «Travelers», donde los solos dispersos por fin se convierten en un único conjunto cerca del final, deriva en realidad del tema inicial de la hoguera (Main Title), y Prahlow cuenta que grabó esa melodía principal allá por 2012-13, muy al comienzo del desarrollo. Así que el acorde en el que todo se reúne al final estaba plegado en aquel primer banjo solitario desde el primer momento. El instante de resolver —el conocimiento que se anuda en un «ah, era eso»— tiene la misma forma que el instante en que los fragmentos crecen hasta convertirse en un conjunto.

También está construido para que puedan superponerse los timbres de dos civilizaciones. Los habitantes (Hearthians) llevan melodías folk sencillas de hoguera; los precursores (Nomai) reciben texturas «como un piano siendo desgarrado en el espacio», y los dos temas pueden superponerse. La orquestación narra la propia historia de un jugador escarbando entre las ruinas de los precursores. Por cierto, muchos de esos vastos tonos sostenidos no son sintetizadores en absoluto: son guitarra deslavada pasada por una larga cadena de pedales. Y el enorme pad del fin de los tiempos funde sintetizadores que van de la música de videojuegos de finales de los ochenta hasta hoy (incluso sonidos emulados de NES) en una sola masa, rematada con una melodía mínima. No te golpea hasta las lágrimas; te tranquiliza a través de la historia del timbre.

Una más. La señal de fin de bucle es una entrada mínima que tictaquea como un reloj veloz y, sin embargo, suena menos a prisa y más a una invitación: «vamos al siguiente bucle». El sonido que colocas en el momento del fracaso o de la repetición cambia el «significado de reintentar» que el jugador siente. Eso es continuo con la ética del Undo.

Pistas que vale la pena escuchar — la semilla, y en qué creció

Empieza con el banjo de la hoguera, «Main Title». Un minuto y dieciocho. En esta sola pieza está plegada la semilla de la melodía hacia la que todos convergen después. Lo que importa es que al principio suena como un solo poco llamativo. Audio oficial (Annapurna Interactive / Andrew Prahlow) a continuación.

Luego, la semilla crecida, «Travelers». A lo largo de tres minutos y medio, el número de voces aumenta y la melodía de Main Title se alza como un conjunto. Escuchadas una tras otra, se oye que la emoción del final del juego no es una suma de timbres, sino el desenlace del tema inicial. Si lo estudias para tu propia escritura, escucha ambas en secuencia y anota qué se mantuvo igual y qué se añadió.

Ambas están incrustadas desde el canal oficial de tema de Andrew Prahlow (audio provisto por el sello). El álbum completo se reproduce en Bandcamp ↗ y a través de la OST oficial de Steam ↗.

Para terminar — lo que puedes llevarte a casa

Si yo misma estuviera escribiendo música, tres cosas que querría robar de esta obra: no temer el silencio —no asignar sonido al tiempo de pensar—; diseñar el sonido como información, colocando notas que sean «útiles» y no solo agradables; y plegar el tema que quieres que suene justo al final en la nota inicial más sencilla. No necesitas equipo llamativo ni un gran conjunto. Una guitarra deslavada, si el diseño aguanta, puede levantar todo un cosmos desde las manos de una persona.

Si quieres aprender más sobre la colocación del sonido y el silencio, Lorelei and the Laser Eyes de Daniel Olsén lo enseña desde otro ángulo. Pero eso será para otra noche, cuando me venga el ánimo. Esta noche, Main Title una vez y luego Travelers: la semilla y luego en qué creció, en secuencia.

Enlaces de referencia

・Steam: Outer Wilds — Original Soundtrack (OST oficial)

・Andrew Prahlow — Bandcamp

・Andrew Prahlow — Topic (audio oficial de YouTube)

・Game Developer: Behind the hauntingly beautiful music of Outer Wilds (entrevista a Prahlow)

・Outer Wilds Wiki: Signalscope