Die Philosophie von Kyle Gabler — Minimale Knochen, maximale Haut

Einleitung

Diese Seite hat sich bereits mit der Musik von World of Goo befasst, aber nie direkt mit dessen Schöpfer selbst. Der hier behandelte Kyle Gabler ist der Mensch, der das Physik-Puzzle World of Goo (2008), in dem man klebrige Gummikugeln zu Türmen aufschichtet, und Human Resource Machine (2015), in dem Büroangestellte Befehle einer assemblerartigen Sprache zusammensetzen, geschaffen hat. Statt reiner Puzzles geht er von etwas aus, das „einfach nur Spaß macht, es anzufassen“ (ein Spielzeug), und legt darauf erst das Puzzle – dieser Handgriff hat mich seit jeher fasziniert.

Warum jetzt? Gabler ist ein wenig produktiver Designer, der selten ausführlich über sein Handwerk spricht. Doch er hinterließ einen legendären Text, geschrieben vor 20 Jahren: „How to Prototype a Game in Under 7 Days“ (Quelle ↗, Gamasutra 2005), gemeinsam mit drei Kommilitonen aus der Graduiertenschule verfasst. Liest man diesen Text zusammen mit seinen wenigen späteren Interviews, tritt eine erstaunlich konsistente Gestaltungshaltung hervor. Dieser Beitrag verfolgt diese Konsistenz allein anhand seiner eigenen Worte.

Werdegang: Von „50 Spielen in 7 Tagen“ zu World of Goo

Gabler ist ein amerikanischer Designer, der aus dem Entertainment Technology Center (ETC) der Carnegie Mellon University hervorging. Dort gründete er zusammen mit Kommilitonen das „Experimental Gameplay Project“ — ein Vorhaben, in einem Semester 50 experimentelle Spiele zu bauen, mit nur drei Regeln: „jedes Spiel in unter 7 Tagen bauen“, „jedes Spiel von genau einer Person bauen“ und „jedes Spiel entlang eines gemeinsamen Themas wie ‚Schwerkraft‘, ‚Vegetation‘ oder ‚Schwärme‘ bauen“ (Quelle ↗, Gamasutra 2005).

Eines dieser 50 Spiele war Tower of Goo. „‚Tower of Goo‘ wurde innerhalb weniger Monate nach dem Erscheinen im Netz über 100.000 Mal heruntergeladen“, hält der gemeinsam verfasste Aufsatz fest (ebd. 2005). Darauf aufbauend verließ Gabler EA, gründete mit Ron Carmel 2D Boy und vollendete 2008 World of Goo. Später gründete er mit Kyle Gray und anderen Tomorrow Corporation und veröffentlichte in kleiner Besetzung und niedriger Frequenz Little Inferno (2012), Human Resource Machine (2015) und 7 Billion Humans (2018).

Im japanischsprachigen Raum ist er kaum mehr bekannt als der Schöpfer von World of Goo oder als Verfasser des Aufsatzes „ein Spiel lässt sich in 7 Tagen bauen“ — über die Person selbst wurde wenig gesprochen. Doch seine Äußerungen sind, so wenige es auch sind, von hoher Dichte. Im Folgenden öffne ich diese Dichte Stück für Stück.

Philosophie: Komplexität ist für Spaß nicht nötig

Der erste, durchgängig sichtbare Glaubenssatz lautet: „Complexity is Not Necessary for Fun“ (Quelle ↗, Gamasutra 2005). Im gemeinsam verfassten Aufsatz verweisen sie darauf, dass die Menschheit sich seit Jahrtausenden mit Variationen von „einem Ball und einer flachen Oberfläche“ unterhält, und schreiben, dass gerade einfache Kerne wie Tetris und Pac-Man jahrzehntelang wiederverwendet werden. Lens Flares und Bump Mapping, so ihr Argument, fügen keinen Spaß hinzu.

Diese Haltung wankt auch zehn Jahre später nicht. Über Human Resource Machine sagt Gabler: „Das Material, mit dem wir arbeiten — Computer und Programmierung —, ist etwas, das vor Jahrzehnten wirklich kluge Leute sehr interessant und gut gestaltet haben. Deshalb haben wir als Game-Designer viel weniger Arbeit zu leisten“ (Quelle ↗, Game Developer 2015). Die Idee ist, sich bereits existierende gute Strukturen auszuleihen.

Die andere Säule ist „design is paramount“ — die Rangordnung, nach der Kunst, Engineering und Sound allesamt existieren, um letztlich dem Design zu dienen (Gamasutra 2005). In der Abschnittsüberschrift „Nobody Cares About Your Great Engineering“ liegt diese Priorität offen zutage. Wenn ich mir meine eigene Marotte erlauben darf: Diese Behauptung von 2005 widerspricht dem „viel weniger Arbeit zu leisten“ von 2015 nicht, sondern setzt sich nahtlos darin fort — dass sich in 20 Jahren nichts verschoben hat, wirkt fast schon unheimlich.

Fixierungen: Zuerst das Spielzeug, dann juice, dann das Gefühl von Besitz

In Gablers Design taucht immer wieder die Angewohnheit auf, „zuerst das Spielzeug (toy) zu bauen“. Man solle die zentrale Mechanik zunächst als etwas aufstellen, das „nur zum Anfassen Spaß macht“, ohne Sieg, Niederlage oder Ziel, schreibt er. „Dieses ‚Spielzeug‘ sollte der Kern des Spiels sein, minus jeglicher Ziele oder Entscheidungen. Es gibt keinen Sieg- oder Niederlage-Zustand, nur eine spaßige Sache zum Spielen“ (Quelle ↗, Gamasutra 2005). World of Goo entlehnt Massen, die durch das Hookesche Gesetz verbunden sind, Little Inferno die Zeit (und das Verbrennen von Dingen), Human Resource Machine den Computer — jedes Mal wird ein „real existierendes System“ ausgeliehen und zum Spielzeug gemacht. „Das setzt die reiche Tradition fort, Spiele auf Grundlage realer Dinge zu bauen“, ordnet er selbst ein (Quelle ↗, Game Developer 2015).

Diesem Spielzeug „Juice“ (juice) hinzuzufügen ist eine weitere seiner Fixierungen. Der gemeinsam verfasste Aufsatz definiert juice als „ständiges, üppiges Feedback an den Nutzer“ und schreibt: „Ein saftiges Spielelement hüpft, wackelt, spritzt und macht ein kleines Geräusch, wenn man es berührt. Ein saftiges Spiel fühlt sich lebendig an und reagiert auf alles, was du tust“ (Gamasutra 2005). Dieses Wort „juice“ wurde zu einer der Quellen eines Gestaltungsvokabulars, das viele spätere Entwickler übernommen haben.

Und schließlich „ein Gefühl von Besitz“ (a sense of ownership). Am höchsten war der Wiederspielwert bei Spielen mit Elementen des Erschaffens oder Anpassens — einen Baum züchten, ein Haus zeichnen, einen Turm bauen, ein Lebewesen entwickeln —, wie sie beobachten (Gamasutra 2005). Auch das „Aufschichten“ in World of Goo ist genau ein Spiel, in dem der Spieler selbst eine Struktur erschafft. Spielzeug, juice, Besitzgefühl — dieses Dreiergespann liest sich als die Designmarotte, die sich durch sein gesamtes Werk zieht.

Scheitern und Überwindung: Eine Geschichte durch Kürzen aufstellen

Gabler verbirgt das Scheitern nicht — im Gegenteil, er baut es in seine Methodik ein. „Embrace the Possibility of Failure – it Encourages Creative Risk Taking“, „failure is ok! That's what prototyping is for“, erklärt der gemeinsam verfasste Aufsatz unumwunden (Quelle ↗, Gamasutra 2005). Tatsächlich präsentierten sie stolz Spiele wie ein rein audiobasiertes als „völlige Fehlschläge“.

Als persönliches Scheitern erzählt er von der Arbeit an der Geschichte von World of Goo. „Anfangs hatte ich große Schwierigkeiten mit der Geschichte.“ Für ihn, der zuvor nur geschichtenlose Kurzspiele von 5 bis 10 Minuten gemacht hatte, brachte ein fast 10-stündiges langes Spiel das Gefühl, „nicht zu wissen, was vor sich geht“, und erzeugte „viel Unsicherheit und Zweifel“. Die frühen Fassungen mit großen Zwischensequenzen und massenhaft Dialog waren „ein Chaos (a mess!)“ (Quelle ↗, GameCritics 2008).

Die Art zu überwinden war, ganz typisch für ihn, „Kürzen“. „Ich habe festgestellt: Je mehr ich die Geschichte entfernt und Dinge angedeutet statt explizit ausgesprochen habe, desto befriedigender wurde es. Deshalb sind alle Zwischensequenzen sehr kurz, und fast der gesamte Dialog ist optional und beiläufig gehalten“ (GameCritics 2008). Er selbst berichtet, dass er die lange Geschichte durch Kürzen statt Hinzufügen zum Funktionieren brachte. Bemerkenswert ist, dass die Philosophie „Komplexität ist nicht nötig“ auch im ganz anderen Bereich der Erzählung zur Lösung in derselben Form eingesetzt wurde.

Ein Gestaltungsdilemma: Autorenschaft versus Vermarktbarkeit

Es gibt ein Dilemma, bei dem er ausdrücklich sagt, „harte Lektionen gelernt“ zu haben: die Vereinbarkeit von absichtlicher Vieldeutigkeit (Autorenschaft) und leichter Beschreibbarkeit zu Marketingzwecken. Little Inferno „wirkte (absichtlich) an der Oberfläche wie ein albernder Kaminsimulator, während im Hintergrund eine dunkle Geschichte brodelte und sich gegen Ende abrupt änderte — nichts davon konnten wir ansprechen, ohne zu spoilern“ (Quelle ↗, Game Developer 2015). In der Folge sei die Bewerbung sehr schwierig gewesen, blickt er zurück.

Aus dieser Reflexion änderte er den Kurs für Human Resource Machine. „Im Vergleich dazu ist Human Resource Machine unterhaltsam und leicht zu besprechen! Es gibt keine echten Geheimnisse oder Rätsel, nur eine Reihe wirklich guter Puzzles“ (Game Developer 2015). „Wir haben viele harte Lektionen darüber gelernt, wie das Design eines Spiels die Möglichkeit beeinflusst, es zu bewerben“ (ebd.) — in diesem einen Satz sind die Spuren eines Menschen deutlich sichtbar, der zwischen Autorenschaft und Kommerz schwankte.

Ein weiteres Dilemma ist die Vereinbarkeit von Zugänglichkeit und der Seriosität des Stoffs. „Anfänger und Nicht-Programmierer bekommen wirklich Angst vor der Vorstellung des Programmierens. Deshalb haben wir viel Arbeit hineingesteckt, das Spiel und alles darum herum einfach und zugänglich zu machen“ (Game Developer 2015). Eine echte, assemblerartige Struktur zu bewahren und sie zugleich nicht angsteinflößend zu machen — er sagt selbst, auf diesem schmalen Grat gewandert zu sein. Um Spekulation zu vermeiden: Die Dilemmata, über die er tatsächlich gesprochen hat, beschränken sich auf diese beiden.

Einflüsse: Piazzolla, Mentor Schell und zeitgenössische Schöpfer

Die Einflüsse, die er selbst preisgibt, sind bescheiden. Zuerst die Musik. Die Idee zu Tower of Goo kam ihm, so schreibt er, auf dem Heimweg, während er den Anfang von Astor Piazzollas „Tango Apasionado“ hörte. „Hier ist ein Fall, in dem ein frühes emotionales Ziel praktisch das gesamte Spiel geschrieben hat“ (Quelle ↗, Gamasutra 2005). Er vermerkt auch, dass er für die endgültige Fassung die Musik gegen Piazzollas fröhlicheres „Libertango“ austauschte.

Sein Mentor war Jesse Schell, der als betreuender Dozent des Projekts am ETC fungierte. Schell schreibt im gemeinsamen Aufsatz: „Ich war ein bisschen wie ein Gärtner, der ein wenig gegossen und gejätet hat, aber das Erblühen lag ganz bei ihnen (the flowering was all up to them)“ (Gamasutra 2005). Unter einer fast völlig freien Betreuung des kreativen Prozesses wuchs Gablers Methodik heran.

Er äußert auch Respekt gegenüber zeitgenössischen Schöpfern. Im Gespräch über Human Resource Machine nannte er Zachtronics' TIS-100 als eines, auf das er „es kaum erwarten kann zu spielen“, und Manufactoria als eines, das er „geliebt“ hat (Quelle ↗, Game Developer 2015). Er verortet sich selbst in der Ahnenreihe derer, die Programmieren in Spiel verwandeln. Von hier aus in Spekulation abzudriften ist nicht Kizukis Art, daher belasse ich die gesicherten Einflüsse bei diesen drei Linien: Musik, Mentor und zeitgenössische Weggefährten.

Kizukis Lesart: ein Reduzierer, der zugleich draufsattelt

Von hier an folgt meine eigene Lesart, die von mir, Kizuki — nicht als Feststellung, sondern als Interpretation, die einen Schritt über seine eigenen Aussagen hinausgeht. Was Gabler durchzieht, ist, wie ich es lese, „Subtraktion“ — er zieht Komplexität ab, zieht Geschichte ab, zieht die Eitelkeit des Ingenieurs ab. Interessant ist jedoch, dass er zugleich ein Verfechter von juice ist, also fast übermäßigen Feedbacks. Er ist ein Reduzierer und zugleich ein Draufsattler. Ich lese diese beiden Seiten nicht als Widerspruch, sondern als Arbeitsteilung: Die Struktur wird bis an die Grenze reduziert, und über ihre Oberfläche flutet man taktile Lust. Minimale Knochen, maximale Haut. Dass in World of Goo die Geschichte gestutzt wurde, während die Gummikugeln hüpften und zum Lachen brachten, lässt sich genau als diese Arbeitsteilung fassen. Und auch sein geringer Output erscheint mir als Konsequenz dieser Ästhetik — mehr als das, was man hinzufügen sollte, kostet es Zeit zu erkennen, was man weglassen sollte.

Zum Schluss: Wo man ansetzen sollte

Wer Gabler kennenlernen möchte, sollte am besten zuerst zu World of Goo greifen. Die Freude am Spielzeug, der juice und der Nachklang der gekürzten Geschichte — alle in diesem Beitrag genannten Elemente stecken in diesem einen Spiel. Geht man dann zu Human Resource Machine über, sieht man deutlich, wie derselbe Designer die Idee, „ein reales System auszuleihen“, auf die Programmierung angewandt hat.

Als verwandter Anknüpfungspunkt bietet sich Zach Barth von Zachtronics an, dem Gabler selbst Respekt zollt (auf dieser Seite bereits behandelt). Barth, der „ehrliche Probleme aufstellt“, und Gabler, der „ein Puzzle auf ein zum Anfassen erfreuliches Spielzeug legt“ — liest man diese beiden Wege, Programmieren in Spiel zu verwandeln, nebeneinander, ergibt sich ein reizvoller Kontrast. Ich empfehle, sich eine Tasse heißen Bancha aufzugießen und mit dem 20 Jahre alten Aufsatz zu beginnen.

Quellen

Für diesen Artikel herangezogene Primärquellen (alle von Kyle Gabler selbst signiert oder geäußert):

・Gamasutra, „How to Prototype a Game in Under 7 Days“, 2005 (gemeinsam verfasst von Kyle Gray, Kyle Gabler, Shalin Shodhan und Matt Kucic; Gamasutra 2005)

・GDC Vault, „How to Prototype a Game in Under 7 Days“ (der GDC-Vortrag der Autoren, der dem obigen Aufsatz zugrunde liegt)

・GameCritics, „Interview with World of Goo developer, 2D Boy“ (Interview mit Kyle Gabler und Ron Carmel von 2D Boy, 04.11.2008)

・„Why a World of Goo dev made a puzzle game about programming humans“ (Interview mit Kyle Gabler, Game Developer / vormals Gamasutra, 12.06.2015)