Soundtrack: Outer Wilds — Wenn Musik zum Werkzeug des Lösens wird

Einleitung — das ist keine Musik zum „Nebenherlaufenlassen“

Sage ich es gleich vorweg: Wer die Musik von Outer Wilds als „einen Soundtrack mit schönen Stücken“ hört, bekommt nur die Hälfte mit. In dem Weltraum-Erkundungsspiel, das Komugi rezensiert hat, läuft die Musik, die Andrew Prahlow geschrieben hat, die meiste Zeit gar nicht. Während du dahintreibst und die Planeten betrachtest, erreichen dein Ohr meist nur Wind und das Brummen von Maschinen.

Das ist keine Faulheit, sondern Design. In Interviews erklärt Prahlow, dass dauerhaft geloopte Musik in einem Erkundungsspiel den Soundtrack zur „Tapete“ macht und seinen Sinn aushöhlt, weshalb er die Musik dem Erkundungsgefühl des Spielers folgen ließ. Der Moment, in dem ein Einsatz aufsteigt, ist daher ein Signal: „Gerade ist etwas passiert.“ Für jeden, der Musik schreibt oder Spiele baut, ist allein diese eine Entscheidung schon der Mitnahme wert, finde ich.

Die Stille gestalten — der Stille Bedacht, der Entdeckung den Klang

Die meiste Zeit, die man mit dem Lösen eines Puzzles oder dem Erkunden eines solchen Spiels verbringt, ist stille Zeit, in der man im Kopf Hypothesen knetet. Die Musik von Outer Wilds weigert sich bewusst, auf dieser Denkzeit mitzureiten. Stattdessen wird ein kurzer Einsatz eingeschoben, wenn man irgendwo Neues ankommt oder etwas bemerkt, das verborgen war. Das Tempo liegt unter Schrittgeschwindigkeit, bei vielleicht 90 BPM Körpertemperatur.

In der Sprache des Komponisten: Versuche nicht, die „Während-du-denkst“-Strecke anschwellen zu lassen. Legst du einen konstanten Spannungs-Drone darunter, wird das Denken des Spielers von der Musik gehetzt, und das „Ich hab's“ des Lösens geht unter. Prahlow tat das Gegenteil — er wies dem Denken die Stille zu und platzierte den Klang nur im Moment der Entdeckung, als Belohnung. Die Stille ist kein Leerraum; sie ist die Vorbereitung, die die nächste Note landen lässt.

Auch jedem Ort eine eigene Spur zuzuweisen hilft. Timber Hearths schlichtes Banjo, Dark Brambles hallendes, beunruhigendes Lied. Hörst du das Timbre, weißt du, wo du bist. Die Musik übernimmt einen Teil der Arbeit einer Minimap.

Wenn Klang zum Werkzeug wird — das Signalscope und die verstreuten Soli

Hier kommt der für dieses Spiel einzigartige und interessanteste Teil. Deine Astronauten-Gefährten sind über das Sonnensystem verstreut, und jeder spielt als Solo auf einem einzigen Instrument ein Fragment derselben Melodie. Mit einem Empfänger namens Signalscope spürst du sie auf, indem du ihrem „Audiosignal“ folgst. Die Musik ist etwas, das man mit den Ohren genießt, und zugleich das eigentliche Werkzeug der Erkundung.

Die Fragmente klingen einzeln, doch richtest du das Signalscope im richtigen Moment aus — wenn die Planeten sich aufreihen —, stapeln sich alle Instrumente zu einem Ensemble (es gibt sogar ein Achievement dafür, „Harmonic Convergence“). Klang ist Information, Richtung und Belohnung zugleich. Dieses Spiel löst bewusst die Grenzen zwischen Soundtrack, Soundeffekt und UI auf.

Die Lehre für Spieleentwickler liegt genau hier. Gestalte Musik von Anfang an als eine Schicht, die „Information trägt“, nicht als eine Schicht, die man „nachträglich hinzufügt“, und Spieler beginnen, das Spiel mit den Ohren zu lösen. Stelle Outer Wilds stumm, und es wird schwerer zu lösen — denn die Musik ist nicht nur als Inhalt stark, sie ist in das System verwoben.

Lösetempo und Songstruktur — der letzte Akkord erklang schon von Anfang an

Outer Wilds ist ein Puzzle, in dem man nie Werkzeuge gewinnt — nur Wissen. Die Sonne explodiert alle 22 Minuten, und die Welt setzt sich auf das morgendliche Lagerfeuer zurück. Alles, was du mitnimmst, ist das, was du verstanden hast, und du spielst dieselben 22 Minuten erneut, fügst jedes Mal Noten des Verstehens hinzu.

Die Struktur der Musik bildet das exakt ab. „Travelers“, wo die verstreuten Soli gegen Ende endlich zu einem Ensemble werden, ist tatsächlich vom eröffnenden Lagerfeuer-Thema (Main Title) abgeleitet, und Prahlow sagt, er habe diese Hauptmelodie schon 2012–13 aufgenommen, sehr früh in der Entwicklung. Der Akkord, in dem am Ende alles zusammenkommt, war also von Anfang an in jenes erste einzelne Banjo eingefaltet. Der Moment des Lösens — das Bündeln von Wissen zu einem „Ach, so war das“ — hat dieselbe Form wie der Moment, in dem die Fragmente zu einem Ensemble heranwachsen.

Es ist außerdem so gebaut, dass die Timbres zweier Zivilisationen geschichtet werden können. Die Bewohner (Hearthians) tragen schlichte Lagerfeuer-Volksmelodien; die Vorgänger (Nomai) erhalten Texturen „wie ein im Weltraum zerrissenes Klavier“, und die beiden Themen lassen sich überlagern. Die Orchestrierung erzählt eben jene Geschichte eines Spielers, der sich durch die Ruinen der Vorgänger gräbt. Übrigens sind viele dieser weiten, gehaltenen Töne gar keine Synthesizer — es ist eine verwaschene Gitarre, durch eine lange Kette von Pedalen geschickt. Und das gewaltige Endzeit-Pad verschmilzt Synthesizer von der späten Videospielmusik der 1980er bis in die Gegenwart (bis hin zu NES-emulierten Klängen) zu einer Masse, gekrönt von einer minimalen Melodie. Es prügelt dich nicht in Tränen; es beruhigt dich durch die Geschichte des Timbres.

Noch eines. Das Signal am Ende des Loops ist ein minimaler Einsatz, der wie eine schnelle Uhr tickt, und doch klingt es irgendwie weniger nach Hektik als nach einer Einladung: „Weiter zum nächsten Loop.“ Welchen Klang du auf den Moment des Scheiterns oder der Wiederholung legst, verändert die „Bedeutung des erneuten Versuchens“, die der Spieler empfindet. Das steht in Kontinuität mit der Ethik des Undo.

Stücke, die das Hören lohnen — der Samen und das, woraus er erwuchs

Beginne mit dem Lagerfeuer-Banjo, „Main Title“. Eine Minute achtzehn. In dieses eine Stück ist der Samen der Melodie eingefaltet, auf die später alle zulaufen. Wichtig ist, dass es zunächst wie ein unscheinbares Solo klingt. Offizielles Audio (Annapurna Interactive / Andrew Prahlow) unten.

Dann der herangewachsene Samen, „Travelers“. Über dreieinhalb Minuten schwillt die Besetzung an, und die Main-Title-Melodie steigt als Ensemble auf. Spielt man beide hintereinander, hört man, dass die Emotion im späten Spielverlauf keine Addition von Timbres ist, sondern eine Einlösung des Eröffnungsthemas. Wenn du es für dein eigenes Schreiben studierst, höre die beiden in Folge und notiere, was gleich blieb und was hinzukam.

Beide sind von Andrew Prahlows offiziellem Topic-Channel eingebettet (vom Label bereitgestelltes Audio). Das vollständige Album streamt auf Bandcamp ↗ und über den offiziellen Steam-OST ↗.

Zum Schluss — was du mitnehmen kannst

Würde ich selbst Musik schreiben, gäbe es drei Dinge, die ich diesem Werk stehlen wollte: fürchte die Stille nicht — weise der Denkzeit keinen Klang zu; gestalte Klang als Information, platziere Noten, die „nützlich“ und nicht nur angenehm sind; und falte das Thema, das ganz am Ende erklingen soll, in die schlichteste erste Note. Du brauchst kein protziges Equipment und kein großes Ensemble. Eine verwaschene Gitarre kann, wenn das Design trägt, aus den Händen eines Menschen einen ganzen Kosmos aufsteigen lassen.

Wenn du mehr über das Platzieren von Klang und Stille lernen willst, lehrt es dich Daniel Olséns Lorelei and the Laser Eyes aus einem anderen Blickwinkel. Aber das ist für eine andere Nacht, wenn mir danach ist. Heute Abend einmal Main Title, dann Travelers — der Samen, dann das, woraus er erwuchs, in Folge.

Weiterführende Links

・Steam: Outer Wilds — Original Soundtrack (offizieller OST)

・Andrew Prahlow — Bandcamp

・Andrew Prahlow — Topic (offizielles YouTube-Audio)

・Game Developer: Behind the hauntingly beautiful music of Outer Wilds (Prahlow-Interview)

・Outer Wilds Wiki: Signalscope