Soundtrack: Psychonauts — Jedes Mal, wenn man einen Kopf betritt, wechselt das Genre

Einleitung — zwanzig Plattenregale in einem einzigen Album

Ein Junge namens Raz taucht in die Köpfe anderer Menschen ein — in diesem 2005er-Titel von Double Fine, den Komugi rezensiert hat, bemerkt das Ohr zuerst nicht eine durchgängige Partitur, sondern Musik, die von Raum zu Raum komplett ausgetauscht wird. Am Sommerlager-Knotenpunkt hört man eine ruhige Folk-Melodie aus Streichern und Akustikgitarre, etwa im Gehtempo. Doch sobald man den Kopf einer bestimmten Person betritt, wird daraus eine Science-Fiction der 1950er mit klagendem Theremin; in einem anderen Kopf erklingt eine Flamenco-Gitarre.

Geschrieben hat sie Peter McConnell, der LucasArts-Veteran hinter Grim Fandango und Day of the Tentacle, der gemeinsam mit Michael Land das interaktive Musiksystem iMUSE mitentwickelte. Anders gesagt: Das ist ein Komponist, der von Anfang an in der Grammatik einer Musik geschult wurde, die ihre Form der Szene anpasst. Der zwanzig Stücke umfassende Psychonauts-Soundtrack treibt diesen Kunstgriff so weit, dass sogar das Genre selbst wechselt.

Der Geist als Genre — Klangfarbe als Sprachrohr der Psyche einer Figur

Der versteckte Kniff in Psychonauts ist, dass die Musik Charakterisierung trägt, nicht bloß Stimmung erzeugt. Je nachdem, in wessen Kopf man eingetaucht ist, wählt McConnell das gesamte Genre neu. Für den Geist eines paranoiden Ex-Agenten — das als Milkman Conspiracy bekannte Level — habe er sich, wie er sagt, an The Twilight Zone, Spionagefilmen der 1960er und Der Tag, an dem die Erde stillstand mit seinem Theremin orientiert, um eine „Marsianer-Invasions-Stimmung" zu treffen. Er übersetzte die Textur eines Wahns direkt in eine Genre-Wahl.

Für Black Velvetopia, eine Welt aus Stierkämpfen und Prunk, geht er voll auf Flamenco. McConnell formuliert es so: „Er malt die Szene eines Stierkampfs, also bin ich mit Flamenco-Musik auf die spanische Stimmung gegangen" — und das ist er selbst an der Gitarre, während die tief hüpfende Perkussion eine marokkanische Tontopf-Trommel ist, die ihm ein Freund geschenkt hat. Das sind keine nebeneinandergelegten Stock-Samples; das sind von Hand gespielte Klänge für eine Szene in einem einzigen Kopf. Was mich hier anzieht, ist ein Design, bei dem die Musik einem nicht sagt, „welche Stimmung das ist", sondern „in wessen Innerem man gerade steht".

The Milkman Conspiracy — Klang für ein Labyrinth, das sich verdreht, Klang, der den erneuten Versuch übersteht

Das Level The Milkman Conspiracy biegt seine Wege im rechten Winkel, verwandelt Wände in Böden und untergräbt fortwährend das Gefühl für oben und unten. Während man seine räumlichen Rätsel löst, bleibt der eigene Stand permanent zweifelhaft. Hier weigert sich McConnells Musik, sich auf ein einziges BPM festzulegen. Die Genre-Collage kippt ohne Vorwarnung, das Gewicht des Beats verschiebt sich, das Theremin gleitet unheilvoll. Ein Aufbau, der einen (weitgehend) nie einen stabilen Puls zählen lässt, greift exakt in den visuellen Schwindel. Von der Ohrseite her verstärkt das dieses Gefühl von „fast lösbar, aber eben nicht ganz" im Level.

Man übersieht es leicht, aber Musik für einen Rätsel-Plattformer hat ihr eigenes Schicksal: Sie muss Dutzende Stürze und erneute Versuche überstehen. McConnells von iMUSE geprägter Instinkt — so zu schreiben, dass Loop-Punkte nicht unbeholfen abschneiden, dass kurze Motive weiter kreisen und dabei allmählich ihre Form ändern — ist genau das, was sich bei Wiederholung auszahlt. Das 1:41 Minuten lange Milkman-Thema ist so gebaut, dass es nicht nur beim ersten Durchgang trägt, sondern auch beim zwanzigsten, wenn man feststeckt und immer wieder dieselbe Ecke nimmt. Das ist für mich die Bruchlinie zwischen einem „Album", das man von Anfang bis Ende hört, und „Spielmusik", die man beim Spielen hört.

Die Analogie zu Rätseln — Musik, die nicht den Takt, sondern „wessen Kopf" markiert

In vielen Puzzlespielen folgt die Musik der Geschwindigkeit des Denkens: Stille bei langem Grübeln, eine leichte Schleife bei Versuch und Irrtum. Doch was die Musik von Psychonauts im Takt hält, ist nicht das Tempo des Lösens — es ist die Frage, „in wessen Kopf befinde ich mich gerade". Ändert sich der Raum, werden Beat und Klangfarbe vollständig ausgetauscht, sodass ein Spieler in dem Moment, in dem er den Klang hört, körperlich versteht: „Die Regeln hier sind etwas anderes." Die Musik verkündet die eigentliche Prämisse des Rätsels.

Ich lese dieses Spiel daher als Lehrbuch für Musik als „Weltanschauungs-Schalter" statt als „Rhythmus des Lösens". Es gibt fröhlich die Idee auf, alles unter einem einzigen Puls zu vereinen, und reiht stattdessen zwanzig unterschiedliche Klangwelten aneinander. Der Grund, warum das nie auseinanderfällt, ist, dass sie alle in einem einzigen Rahmen liegen: „der Geist einer anderen Person, in den Raz von außen eingetaucht ist". Was die Vielfalt erlaubt, ist genau der eine Blickwinkel, der die Vielfalt zusammenhält. Für jeden, der eine Suite oder ein Konzeptalbum schreibt, übersetzt sich diese Balance unmittelbar in ein Designprinzip.

Hörenswerte Stücke

Beginnt mit dem Hub-Thema Whispering Rock: einer ruhigen Folk-Melodie aus Streichern und Gitarre, wie ein Sommerlager-Morgen. Zwischen den Levels, in denen die Genres wild durcheinandergehen, beruhigt die Rückkehr hierher den Atem. Es ist der „Referenzschlag" des Albums — gerade weil dieser Heimklang existiert, sticht die Fremdheit der anderen Köpfe hervor.

Das Gegenstück ist The Milkman Conspiracy: Theremin und Genre-Collage, direkt in den Klang eines sich verdrehenden Labyrinths verwandelt. Prüft bitte mit Kopfhörern, wie es einem den Boden unter den Füßen wegzieht, während man noch nach einem stabilen Beat sucht.

Alle zwanzig Stücke, einschließlich des Flamencos von Black Velvetopia, lassen sich auf dem offiziellen Double-Fine-Bandcamp von Anfang bis Ende hören. Es ist eine Stunde, in der man von Kopf zu Kopf wandert, so wie man von Regal zu Regal geht.

Schluss — wenn ich mir etwas abschauen würde, dann „einen einzigen Rahmen aufstellen"

Wenn ich komponieren würde, wäre das, was ich mir von diesem Spiel abschauen würde, nicht die Zügellosigkeit selbst, sondern der einzelne Rahmen, der sie erlaubt. McConnell streute zwanzig Genres aus und band sie doch alle mit einem einzigen Blickwinkel zusammen: „in den Kopf einer anderen Person eintauchen". Vielfalt hört erst dann auf zu zerstreuen, wenn es einen Rahmen gibt. Ob Suite oder Playlist — entscheidet zuerst den einen Faden, der alles bindet, bevor ihr die Zweige wachsen lasst. Haltet diese Reihenfolge ein, und aus dem Vielerlei wird Reichtum.

Und noch etwas. Bindet man das Genre an „eine Person" statt an „eine Stimmung", beginnt der Klang plötzlich zu sprechen. Wenn ich das nächste Mal ein Charakterthema schreibe, will ich nicht fragen, „welche Stimmung hat diese Person gerade", sondern „mit welchem Plattenregal ist diese Person aufgewachsen". Wer einer ähnlichen Linie nachspüren will, höre weiter bei Floex' Machinarium, das ebenfalls Szene für Szene seine Klangwelt austauscht, oder bei den LucasArts-Partituren, die die iMUSE-Philosophie fortführen.

Referenzlinks

・Offizielles Double-Fine-Bandcamp: Psychonauts Original Soundtrack (Peter McConnell)

・Laced Records: Peter-McConnell-Interview (Entstehungsgeschichte von Milkman und Black Velvetopia)

・Peter McConnell (iMUSE-Mitentwickler, Kurzbiografie)

・YouTube (Peter McConnell offiziell / vertrieben über TuneCore): Whispering Rock ↗

・YouTube (Peter McConnell offiziell / vertrieben über TuneCore): The Milkman Conspiracy ↗